Me gusta diseñar prendas bellas y controlar el proceso de principio a fin, desde el boceto hasta la prenda final.
Mi etapa favorita es el patronaje, oficio que ejerzo desde siempre y que actualmente transmito a otras personas.
Master class de moulage y costura rápida en el Centro de Artesanía de Aragón.
La tarde del día 7 de abril, fue una tarde de costura especial. En el centro de Artesanía de Aragón, la asociación de artesanos de Aragón, celebramos como todos los años, los días europeos de la Artesanía.
Un marco precioso, una gran mesa, herramientas de calidad, además de la asistencia de público y ayudantes de lujo.
Por mi parte, como siempre la ilusión y las ganas de crear, un estudiado diseño y un gran tejido que vino a mis manos.
Todo esto, se vió reflejado en el resultado.
El tejido escogido, un creppe de color rosa violeta, adquirido en la tienda online de Ribes y Casals.
Seleccioné este tejido principalmente por su peso, que facilita una gran caída, su color y porque no tiene elastán, ya que mi vestido está cortado totalmente al biés, y el elastán está totalmente contraindicado, con esta técnica de modistería.
Otra ventaja de este tejido, es que apenas se aprecian diferencias entre la cara y el revés. Esto es muy importante si el interior asoma por alguna parte, como es en este caso, las mangas.
Confeccionaré de principio a fín un vestido de aire retro, inspirado en los modelos que diseñaba y confeccionaba la pionera del moulage y corte al bies, la señora Madeleine Vionnet en los años 50.
Esta actividad está programada dentro de los días europeos de la artesanía 2018
El tejido con el que voy a confeccionar el vestido es un creppe de color rosa viola.
Día 7 de abril de 2018, en horario de 17 a 20.
Lugar: Zaragoza, Centro de artesanía de Aragón, antiguo matadero.
Calle Monasterio de Samos sin número.
Utilizando como materia prima unos vaqueros viejos, confeccionaremos de principio a fín, un bonito bolso estilo «tote bag» como estos.
En Zaragoza, centro de artesanía de Aragón, antiguo matadero de Zaragoza.
Inscripciones hasta el día 4 de abril.
Si necesitas mas información puedes llamarme a mi 690095166. Para inscribirte en este curso de costura, llama directamente al centro de artesanía de Aragón 976486241.
El curso se va a impartir durante los días 16 y 17 de abril de 2018, en horario de 9.30 a 13.30, en el centro de Artesanía de Aragón.
Este curso está subvencionado por el gobierno de Aragón, por lo que tiene un precio muy interesante, 45 euros por persona.
Es un curso de costura de nivel medio, es necesario tener cierto dominio de la máquina de coser.
Aprenderás las técnicas básicas del patronaje y confección de bolsos con materiales reciclados.
Este curso solo es el primero de los cuatro que voy a impartir esta temporada en el centro de Artesanía de Aragón, los siguientes van a ser
Este es un post dedicado a uno de mis artistas favoritos, Mariano Fortuny y Madrazo, perteneciente a una gran saga de pintores españoles.
Antes de nada, decir que las fotos de este post, las tomé yo misma en una visita a la casa palacio/museo de Mariano Forntuny Madrazo, en Venezia. Año 2016
Era un gran pintor, pero destacó sobre todo por su faceta de diseñador, modisto y escenógrafo.
No es conocido por la mayoría de la gente, sobre todo en España, como suele ser habitual, aunque últimamente se ha hecho popular por la mención que se hace de su vestido Delphos, en la novela y posteriormente en la serie «El tiempo entrecosturas».
Sira, la protagonista de la novela es una modista aventurera, con una increíble capacidad de trabajo y unas manos prodigiosas.Durante su carrera como modista, realiza para una clienta especial, de forma casera y de un modo rudimentario, una interpretación del célebre vestido Delphos, creación del artista Mariano Fortuny y Madrazo.
Auténtico vestido Delphos, creación de Mariano Fortuny y Madrazo
Este imponente palacio, de estructura tradicional veneciana, fue construído en la segunda mitad del Quattrocento por iniciativa de Benedetto Pesaro.
Palacio Fortuny en Venezia
Fue en 1898, cuando Mariano Fortuny, atraido por la belleza del edificio, decidió adquirir este palacio y recuperarlo para su uso y disfrute como vivienda y laboratorio.
Palacio Fortuny en Venezia
Tras la muerte de Mariano, en 1949, el palacio fue donado en 1956, al «Comune di Venezia», y fué abierto al público como museo en el año 1975.
Obra de Mariano Fortuny y Madrazo
Animo a todas las personas que viajen a Venecia a que visiten este impresionante palacio, que no es muy fácil de encontrar pero que estoy segura que les va a deslumbrar.
Durante su vida artística, el artista y escenógrafo Mariano Fortuny y Madrazo, amante de la seda y el terciopelo, recuperó diferentes métodos antiguos e inventó otros nuevos para teñir, estampar y plisar los tejidos.
Aunque existen patentes de algunos de estos sistemas de teñido y estampado, de los patrones que utilizaba, también de la forma de confeccionarlos e incluso de como plegar estos vestidos, dicen que el artista guardaba algunos secretos sobre sus métodos, sobre todo a la hora de hacer sus plisados, que nunca desveló.
Diferentes vestidos Delphos, auténticas creaciones de Mariano Fortuny y Madrazo
Mariano Fortuny Madrazo, diseñó vestuario y telones para teatro y ballet y vestidos para las mas ilustres señoras.
Si quieres saber mas sobre Mariano Fortuny Madrazo, y su obra textil, te recomiendo un libro: Mariano Fortuny, arte, ciencia y diseño, escrito por Guillermo de Osma.
Biblioteca privada de Mariano Fortuny y Madrazo
Importante también la sección dedicada a este artista en el museo del traje de Madrid:
En este post, voy a compartir algunas de mis experiencias como aprendiz de acuarelista.
Este es el primer post que publico sobre este tema, y espero que sea el primero de muchos mas, porque el mundo de la acuarela es extenso y apasionante.
Los mandamientos de la acuarela:
Amar el color sobre todas las cosas
No utilizar el color negro en vano
No rompas una obra, si no te gusta, córtala y haz marca páginas con ella. Esto corta de raiz el sentimiento de culpa, y además quedan preciosos para regalar o vender.
No sufras nunca pintando, solo disfruta, si sufres pintando, no vale.
Pinta siempre del natural, eso sí, lo natural también puede estar dentro de la cabeza.
No imites obras de otros artistas, interprétalas a tu manera.
Herramientas para pintar a la acuarela
Pinceles
La calidad de un pincel para pintar a la acuarela, es directamente proporcional a la cantidad de dinero que cuesta.
Esto es una verdad absoluta.
¿Mis pinceles favoritos?
Escoda de cerda natural, son los mejores.
El tamaño del pincel irá en función del tamaño de la obra, pero yo aconsejo tener de todos los números, tanto de pelo natural como de pelo sintético.
No hace falta comprar todos de vez, la inversión se hace poco a poco.
Para cielos grandes, un pincel hake, que es un pincel japonés con el pelo de lana. Es un capricho caro pero que dura toda la vida si lo tratas bien.
El cielo del paisaje inferior (marina), está pintado con un pincel hake, humedo sobre humedo, el papel estaba empapado y el pincel hake lleno de pintura disuelta.
Para esta técnica de humedo sobre húmedo, recomiendo meter el papel debajo del grifo y sujetarlo a una tabla por medio de cinta engomada en todo su contorno. Esta experiencia es para disfrutarla al 100%.
Y luego dicen que la acuarela no es pintura…
La principal norma para conservar los pinceles es no dejarlos cabeza abajo dentro de un bote, con o sin agua. Un pincel estropeado de esta manera es casi irrecuperable.
Digo casi, porque a veces se pueden recuperar con la plancha de vapor.
Si un pincel se estropea, no se debe de tirar porque nos puede servir para hacer texturas o para aplicar máscara.
Se limpian con agua, debajo del grifo, sin jabón y sin nada. No es necesario detergente de ningún tipo para limpiar los pinceles de acuarela. Tampoco hay que frotar el pelo del pincel.
Después de limpiarlos, se ponen en un bote con el pelo hacia arriba.
Es mejor no limpiar un pincel y dejarlo boca arriba, en un bote, que maltratarlo con excesiva limpieza y chafar la punta contra el fondo del bote, aplastando así el pelo por el propio peso del palo del pincel.
Paletas
Habitualmente, utilizo la que viene en el envase de las pastillas de acuarela.
También tengo una paleta metálica esmaltada por si la de la caja se me queda corta.
Una tabla o un panel
Es una base firme donde sujetar el papel mientras se trabaja.
Puede ser un panel normal o de DM, de 5mm de grosor.
Cinta de carrocero o cinta de engomar al agua
Esta es necesaria cuando pintamos con láminas sueltas de papel acuarela, o cuando sacamos las láminas del bloc de papel engomado.
¿Para que sirven? Para evitar que el papel se deforme cuando se moja, o para que este vuelva a su ser cuando se acaba de secar.
¿Como se utiliza?
Se pone el papel seco o empapado en agua sobre una tabla por lo menos cinco cm mas grande que el papel por todo su contorno.
Se tensa todo lo posible y se pega la cinta de carrocero todo alrededor, cubriendo aproximadamente un cm de papel.
Recipiente para el agua
Los mejores son los clásicos frascos de miel de la granja San Francisco… como dispensadores de miel antigoteo, son cuestionables, pero para pintar son fantásticos, yo desde hace casi 20 años tengo dos que conservo como oro en paño.
¿Por qué? porque son de vidrio resistente, con fondo muy pesado, lo que los hace muy equilibrados (anticaidas) y porque el interior de la boca del frasco va forrado de goma.
Papel absorbente de celulosa
de cualquier tipo, tamaño o marca.
Paños de algodón Retales de sábanas viejas o cualquier prenda de vestir.
Esponjas de diferentes texturas
que sirven para hacer texturas y para absorber excesos de agua sobre el papel.
Materiales para pintar a la acuarela
Pinturas:
Yo solo puedo hablar de las acuarelas en pastillas, porque son las únicas que utilizo.
Aconsejo empezar con pocos colores, para aprender a hacer las mezclas y conocer lo que sale de ellas.
Si quieres aprender un poco sobre el tema de las mezclas puedes leer mi post «El círculo cromático»
Una vez aprendida la teoría del color y las mezclas básicas, mi consejo es tener muchos colores puros y mezclarlos lo menos posible. Los colores puros, sin mezclar, o mezclados sobre el papel, tienen una intensidad y un brillo, que pierden cuando se han mezclado, que puede ser interesante según el objetivo que nos hayamos marcado.
Marca: cualquiera sirve, pero yo utilizo Schmincke.
¿Por que? Porque en mis inicios, tuve la suerte de ganar un premio de 30.000 pesetas que tenía que gastar en material de pintura. Este dinero lo invertí en una caja de pinturas de esta marca.
Desde entonces, es mi caja de pinturas. En todo este tiempo, he probado otras más económicas pero no me han dado los mismos resultados.
Si vas a pintar obras de un tamaño normal, estas pastillas te van a durar muchísimo, así que la inversión va a ser muy rentable.
Si vas a pintar obras mas grandes, te aconsejo que utilices acuarelas de tubo, no por un tema económico, sino porque te van a resultar mas prácticas.
A veces, cuando voy de viaje y de repente me viene la inspiración, voy a una tienda de material escolar y me compro una caja de acuarelas de pastilla de 2 euros, de la marca Jovi o lo que haya, y cuatro pinceles de la misma marca… y soy igualmente feliz. A este kit, le añado un botellín que puedo llevar ya lleno o llenarlo en el sitio de trabajo, para el agua, claro!
Si como yo, pintas en la playa, aprovecha el agua del mar para diluir tus colores, ya que la sal del mar, añade luminosidad a los colores.
Lápìz
Ojo con el lápiz, la mina del lápiz está hecha de una mezcla de grafito y arcilla, y cual es el mayor fijador del grafito? EL AGUA. Que quiere decir esto? que el trazo de lápiz que se queda debajo del agua, se queda PARA SIEMPRE.
A mi me gusta que se vea el trazo del lápiz bajo la acuarela, sin pasarse, por eso trato de dibujar lo menos posible.
Truco
Si queremos dibujar con total libertad y que luego el dibujo se borre, lo mejor es recurrir a los lápices de color, ya que no llevan grafito y se pueden borrar, si queremos después de colorear con acuarela.
Yo utilizo los de la marca Faber Castell, tengo una caja básica de 12 colores, son muy buenos. Eso si NO ACUARELABLES.
Goma de enmascarar
Inconveniente: Con el tiempo, la zona sobre la que se ha puesto la goma de enmascarar, amarillea. Yo los utilizaba para salpicaduras de agua, para las olas del mar, pero con el tiempo me he arrepentido, porque con el paso del tiempo la zona enmascarada, queda con un aspecto sucio. Es mejor ser valiente y conseguir los efectos no pintando lo que queremos que quede blanco.
Olvidando los efectos secundarios, si se utiliza bien, queda muy bien en las citadas salpicaduras del mar, pero si se utiliza regular, quedan unas manchas blancas artificiales, «tipo pegote» dificiles de disimular.
En la acuarela de la foto que viene a continuación, utilicé la goma de enmascarar.
Todas las salpicaduras de agua son reservas con este producto.
Como se aplica? Con paciencia y un palillo de madera, untandolo y dando golpecitos sobre el papel, no utilices nunca un pincel porque el mejunge de enmascarar no se quita con nada. Utiliza una herramienta de usar y tirar.
Cera corriente de vela
Sirve para enmascarar, es dificil de usar, y difícil de explicar, maravillosa cuando se domina.
Goma de borrar acuarela
No existe el borrador de acuarela. Es posible borrar la acuarela cuando se tiene mucha técnica, con humedad, pero se corren riesgos.
Pinturas de cera manley
Son extragrasas y para lograr algunos efectos bajo la acuarela son muy interesantes, sobre todo para realizar ilustraciones rápidas.
Papel
Mi favorito es el papel engomado Arches, está disponible en bloc de diferentes tamaños.
Se puede utilizar en el mismo bloc o desprendiendo las hojas, y montandolas sobre un panel, como ya he explicado antes.
Papel engomado Arches en formato 18 x 26Papel engomado Arches en formato marina
Estos cuadernos tienen todas las hojas engomadas unas a otras por el borde y sobre un cartón grueso debajo de la última hoja.
Se trabaja y se pinta sobre la primera hoja en blanco, sin despegarla, y se deja pegada hasta que se ha terminado el trabajo, de esta forma no se abomba el papel.
Una vez seca la obra, se despega cuidadosamente sin cortar el papel. Solo se corta la goma que lo une al resto.
¿Por donde se empieza? Por un pequeño espacio que no tiene goma. Este espacio está en la parte superior.
El papel Arches es de una gran calidad, hay que cogerle el truco al principio y su color no es blanco resplandeciente, es uno de los motivos por lo que me gusta tanto.
Desprende un cierto olor ácido al humedecerse.
Este año me he comprado un bloc en formato marina, no sabía que existía, lo han sacado en una edición especial, como para regalo y lleva dos pinceles incluidos en el pack, son también de la marca Arches, mas largos de lo normal para ser de acuarela, y aunque funcionan bien, no van a ser mis pinceles favoritos, no los compraría.
A día de hoy, supongo que el formato marina de papel acuarela Arches, ya está normalizado.
Y bueno, hasta aquí todo por hoy, espero que este post te sea de utilidad.
El mundo de la acuarela en muy extenso y esto es solo «una pincelada».
Si tienes alguna pregunta o sugerencia, no dudes en contactar conmigo
CURSO PINTAR CON LA AGUJA, costura con un toque nostálgico…
Impartido por Mercedes Coloma, artesana textil, en el centro de artesanía de Aragón.
Fechas: 4, 5, 11, 12, 18, 19, 25 y 26 de septiembre y 2 y 3 de octubre de 2017.
Horario: De 17 a 19 horas.
Duración: 20 horas
Precio: 94 €
Fecha límite inscripción: 27/07/2017
Monitora: Mercedes Coloma
El objetivo principal de este curso es que el alumno conozca y practique las principales técnicas de la costura artesanal. El alumno aprenderá a: utilizar las principales herramientas que se utilizan en esta labor artesanal, bastidor, dedal, agujas, etc. Identificar los diferentes tipos de hilos y tejidos, y a elegir los más adecuados para cada labor. Aprenderá las diferentes puntadas en las costura a mano y sus aplicaciones.
PROGRAMA DEL CURSO
Para cumplir los objetivos de este curso, he diseñado un programa con el que estoy muy satisfecha ya que lo he diseñado con toda libertad, a mi gusto y sin límites, por eso como no podía ser de otro modo dado un toque vintage, introduciendo ejercicios llenos de nostalgia, que no van a dejar a nadie indiferente.
Os muestro algunos de ellos
Vestido de flamenca para Nancy, con este ejercicio, practicaremos las primeras puntadas auxiliares y de ensamblaje. ¿A que te has quedado con la boca abierta?
Con este ejercicio, aprenderemos entre otras cosas, a cortar con minipatrones, a hilvanar, fruncir, y coser cierres a presión. Destreza manual «superfina».
Y este otro ejercicio… ¿no te recuerda a algo?
Este monedero de abalorios, que todas las niñas llevabamos en los años ochenta, es una monada, y como todas queremos uno… nos lo vamos a hacer.
Con este ejercicio, vamos a aprender a coser una cremallera a mano, a forrar y a coser abalorios.
También aprenderás las puntadas básicas del bordado decorativo. Nuestro modelo esta vez, va a ser esta postal antigua, «Souvenir de Paris».
Y aquí tienes por escrito…(programa del curso) todo lo que vas a aprender en este curso:
PUNTADAS AUXILIARES
Sirven para varias cosas pero tienen una característica común, son efímeras. Sirven para sujetar las piezas de tela cuando ejecutamos la costura definitiva, para marcar una posición mientras trabajamos.
Hilván o bastilla
Frunce
PUNTADAS DE ENSAMBLAJE
Algunas de estas técnicas son de ensamblaje, las que se utilizaban antes de que existiera la máquina de coser y actualmente, en sustitución de la misma y para labores de patchwork.
Sobrehilado.
Punto atrás, o punto de costurera.
Punto de ojal o festón.
Lorzas
PUNTOS DE ACABADO
Puntadas insustituibles por la máquina de coser, como por ejemplo, la puntada invisible, una técnica que perfectamente ejecutada es la más utilizada en alta costura.
Leonardo Pérez Obis, decano de los pintores aragoneses
El texto y las imágenes de este post están extraídos del catálogo de la exposición, «Una mirada hacia el pasado», celebrada en Zaragoza en la Sala Hermanos Bayeu, del Edificio Pignatelli en el año 1999.
«A Leonardo le gustaba recordar que, de colegial, prefería el jueves a cualquier otro día de la semana, porque tocaba clase de dibujo».
Leonardo pintando en 1922
Leonardo Pérez Obis comenzó su larga trayectoria artística realizando deliciosas fotografías obtenidas a partir de placas de cristal con la engorrosa máquina de fuelle rojo. Fue uno de los miembros fundadores de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza, creada en 1923, y participó en el II y III Salón Internacional de Fotografía de Zaragoza, allá por los años 1926 y1927. Su afición a la fotografía le acompañará toda su vida y marcará la pauta de su estilo pictórico, “el realismo”.
La pintura se convirtió pronto en una necesidad vital para Leonardo y ya en 1929 participó en una exposición de arte estudiantil que se celebró en el Centro Mercantil de Zaragoza y en el I Salón regional de Bellas Artes, al que concurrió con el cuadro titulado Sol de Invierno.
El baño, 1934
Alternaba sus participaciones en los Salones de Otoño de Madrid que se celebraban en el retiro de Madrid y en las que obtuvo numerosos premios con algunas participaciones en exposiciones locales, como las regionales de Arte Aragonés y concursos varios en las que nunca fue muy reconocido. También participo en exposiciones colectivas en Valencia, San Sebastián, Vitoria, Bilbao, Córdoba, etc. Solo en cuatro ocasiones expuso Pérez Obis de forma individual: 1940 y 1979 en el Centro Mercantil de Zaragoza, 1981 en el Palacio de Congresos y Exposiciones de la ciudad de Jaca.
En 1994, cuando Leonardo, tenía 91 años, se celebró una exposición Antológica en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza, rindiéndole un merecido homenaje al que posiblemente era el decano de los pintores aragoneses.
Jugando al toro, 1940
Frecuentó las academias privadas de Abel Bueno, Leopoldo Romo y Joaquina Zamora, la Escuela de Artes y el Estudio Goya, pero sus conocimientos sobre el dibujo y el color partieron de la observación de la realidad y el detalle, sometidas a una fuerte disciplina autodidacta.
En la fuente (Daroca). 1940
Mientras realizaba el bachillerato visitó la Academia Toral, donde obtuvo un título de tenedor de libros a los doce años entrando a trabajar en el Banco Aragonés de Seguros y Crédito, empresa en la que continuaría hasta su jubilación.
Concilió esta actividad de pulcro contable con su auténtica vocación, la Pintura.
Sintió poca curiosidad por los movimientos vanguardistas de principios de siglo y encontró su propio estilo dentro de unos cauces realistas. Retrataba a su familia, su casa y su entorno urbano, los alrededores de Zaragoza, el Canal Imperial y paisajes del Pirineo, Fontibre y algunas vistas de poblados norteafricanos y de los canales de Venecia. El paisaje fue una de sus pasiones.
En la pintura infantil demostró una gracia y unas dotes excepcionales y sus tres hijos fueron sus modelos habituales, captados en poses frescas y divertidas.
Leonardo y Elena Pérez Cavero, 1950
El realismo pictórico de Pérez Obis se asentaba en un sólido y correcto dibujo que pautaba y ceñía el uso del color, siempre jugoso y contrastado. Sin embargo, el pintor practicó asiduamente el dibujo como tal, con un estilo espontaneo y personal. Sus dibujos realizados a lápiz o carbón sobre papel allá por los años treinta y cuarenta demuestran una sensibilidad y una observación de matices extraordinarias.
Maximina, boceto para cartel del Pilar
En este sentido hemos de recordar otros trabajos más comerciales que hoy entrarían de lleno en el campo del diseño y la publicidad, pero en aquella época eran desarrollados por pintores y artistas con el fin de ganarse la vida, como las pegatinas informativas de las fotografías que concurrían a los Salones Internacionales de Fotografía de Zaragoza, como portadas para las revistas Lecturas (1925), Blanco y Negro (1927) y Mari Bel, que se publicaba en Buenos Aires; o como los carteles anunciadores de las Fiestas del Pilar, así como de las de Pamplona, los carteles de la Compañía de Teatro Díaz Artigas, de la Compañía de Seguros Aragón, o la Algodonera del Ebro, S.A., ejecutados en los años treinta y cuarenta.
En todos ellos demuestra a la perfección su dominio de las técnicas y recursos expresivos del dibujo publicitario (figuras monumentales y recortadas, empleo de siluetas, tintas planas, decorativismo, tipografías elocuentes, etc.), una creatividad y una modernidad bastante templadas, y una fuerte conexión con los trabajos de otros cartelistas contemporáneos.
Lobo de mar, 1934.
Theología Scholasticus, 1943.
Bruma, 1963
Cartel para la Algodonera del Ero, S.A., 1947
Artista de grandísma categoría, maravilloso ser humano, vivió 95 años por y para la Pintura en mayúsculas y fue tal su pasión que pintó siempre, hasta los últimos años de su vida, hasta que su mano no pudo empuñar un lápiz.
Su última obra era un remanso del Huerva donde los verdes y amarillos latían con el sol, reposaba sobre un viejo caballete de madera que tenía en su estudio, orientado hacia la luz natural.
Comisariado, catalogación y documentación de la exposición:
Mª Isabel Sepulveda Sauras
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